Lesexpositions

"Les musées recèlent de collections cachées, cachées dans des tiroirs pour les préserver. Peaux, squelettes, corps entiers… qui ne sortent de leurs sommeil éternels que pour être analysés et, en de rares occasions, montrés furtivement au grand public afin de ne pas perdre de leur beauté figée. Ces collections représentatives du monde vivant visent à apporter des informations la vie et son évolution. Ne peut-on pas trouver une forme de beauté brute cachée dans ces séries de tiroirs et armoires ? Et si ces collections vous étaient montrées sans avoir peur de les voir irrémédiablement endommagée par le simple fait de sortir de leur cocon de métal ?" Quentin Hornez vous présente ses "Spécimens" lors du vernissage le jeudi 21 décembre 2023.

Florent vous invite à plonger dans son univers d'expérimentations interactives et artistiques à travers des installations étonnantes :

Créez votre parcours virtuel de balles rebondissantes, fusionnant le virtuel et le réel dans une expérience captivante.

Laissez libre cours à votre expression créative dans une installation où chaque geste et mouvement deviendra une touche de couleur évanescente.

Prenez la pose et laissez-vous immortaliser par une IA qui vous transforme en une œuvre d'art digne des grands peintres classiques.

…Et d'autres expériences interactives où art et technologies numériques se répondent !

Le 6 avril, le CRC Mons vous invite à l’inauguration de sa première salle d’exposition : FRACAS. Pour l’occasion, on vous propose un programme riche et varié, inscrit dans une dynamique de quartier ! 💥 La galerie accueillera l’exposition collective « Monochrome » de Propaganza, mettant en avant des oeuvres d’artistes locaux et internationaux issus des arts urbains. Le bleu sera mis à l’honneur ! 💥 Les artistes occupant les quatre ateliers « Rhiz[H]ome » de l’axe de la gare de Mons habilleront leurs vitrines en harmonie avec la thématique de cette exposition. 💥 Les voisins se joignent à nous ! L’Atelier-galerie des Projets Saint-Alfred (ACIS asbl) ouvrira ses portes en proposant une exposition de cyanotypes. INFOS PRATIQUES : 🔹17h00 : vernissage de l’exposition « Monochrome » à la galerie FRACAS, située au rez-de-chaussée du Rhiz[H]ome #1, au 50 rue des Capucins. Drink et DJ prévus ! 🔹De 17h00 à 20h00 : ateliers ouverts « Rhiz[H]ome », situés à la rue de la Petite Guirlande et à la rue des Capucins avec présence des artistes, ainsi que de l’Atelier-galerie des Projets Saint-Alfred. Du 7 au 29 avril

— (Télé MB) : Pour sa première exposition, la galerie FRACAS a fait appel au collectif Propaganza qui a rassemblé une quarantaine d'artistes sur le thème du bleu. En 7 lieux différents, 7 ateliers d'artistes ont en effet décidé de jouer le jeu de la première exposition accueillie par la galerie FRACAS, un tout nouvel espace. « On avait envie de faire quelque chose qui casse un peu le code des galeries où on a quelqu'un qui fait le programme des expositions. Ici, on a envie de l'ouvrir aux gens et d'avoir un format un peu plus brut » explique François Chevalier, Coordinateur du Comptoir des Ressources Créatives à l'origine du projet de la galerie Fracas.

L'éclectisme, l'ouverture à tous les styles et à toutes les ambitions, c'est bien là l'objectif de la galerie Fracas qui accueillera le public gratuitement.

La galerie FRACAS est en test pendant un an. Elle renouvellera sa programmation tous les mois. Les trois prochaines expositions sont déjà prévues.

FRACAS - Exposition de Mathieu Flasse

Mathieu Flasse, artiste peintre montois se découvre très jeune une passion pour la peinture et développe un style unique qui se distingue par son approche spontanée et expressive.

Ses toiles sont marquées par une énergie brute et une utilisation audacieuse de la couleur, créant des compositions dynamiques qui captent l'attention du spectateur. Ses grands formats, souvent imposants, invitent le public à plonger dans un univers artistique fascinant et à se laisser emporter par les émotions qui se dégagent de ses œuvres.

Par un bel après-midi;
Tout en courbes et en couleurs,
Un homme
Par la fenêtre ouverte,
Regarde l’océan.
Fred Anacleto raconte l’histoire de celui qui contemple la mer pour la première fois.
Fred est un navigateur poétique.
Les sirènes et les anges du mystère ont avec lui des colloques singuliers.
Les dessins de Fred témoignent de la rencontre d’une conscience et d’une confiance, entre un humain aux yeux bleus et celles et ceux qui peuplent les entre-monde.

Nous avons le plaisir de vous annoncer notre 3eme exposition " Frederic Anacleto" qui sera disponible du 30 mai au 24 juin 2023.

Nous sommes heureux de vous présenter l'exposition de Marco Taillebuis, un artiste multidisciplinaire dont le parcours artistique est empreint de diverses expériences et de créativité sans limites.
Né à Paris le 12 février 1954, Marco Taillebuis a toujours été passionné par le rythme, ce qui l'a conduit à se consacrer à la percussion dès son plus jeune âge. À l'âge de 17 ans, il rejoint une compagnie brésilienne en tant que percussionniste, où il explore la danse, le chant, la comédie et la manipulation de marionnettes pendant trois ans. À 20 ans, il crée avec ses amis Benoit Postic un spectacle intitulé "Les gens du soir". Il se forme également comme funambule à l'école du cirque Annie Fratellini.
L'année charnière de sa carrière survient à l'âge de 24 ans, lorsqu'il est engagé avec son ami Benoit Postic dans le spectacle "Voyage autour de ma Flandre" de Michel de Ghelderode. C'est à cette occasion qu'il rencontre Nele Paxinou et Edouard Bestgen, une rencontre qui s'avère déterminante. Ensemble, ils fondent les Baladins du Miroir, une compagnie avec laquelle Marco travaillera de 1980 à 2007 en tant que comédien, acrobate, musicien, metteur en scène, directeur technique et directeur artistique. En 2004, il crée également les Ateliers de la Nouvelle Sève, un département contemporain de création et de recherche au sein des Baladins du Miroir.
Parmi les mises en scène marquantes de Marco Taillebuis chez les Baladins du Miroir, on retrouve "Les fables de la fontaine", "Le système Ribadier" de Feydeau, "Comédie de Venise" d'après Goldoni, "Le songe d'une nuit d'été", "Octopus bloc C" (opéra électronique) et "Faust" de René Lambert. Aux Ateliers de la Nouvelle Sève, il a réalisé des mises en scène telles que "Bataille" de Jean Michel Ribes, "La Machine de l'Espoir" de Julos Beaucarne/Sophie Magerat, "Opéra panique" d'Alexendro Jodorowsky, "Octopus bloc C" de Jeuk Dietrich, ainsi que des ateliers autour de Vaclav Havel.
Depuis 2008, Marco entretient une collaboration étroite avec la compagnie enchantée, basée à Mons. Ils ont créé de nombreux spectacles ensemble, parmi lesquels "Les fêtes de Mons", "Mary Poppins" (comédie musicale), "Germinal" (opéra-théâtre), "Conversations en Wallonie" de Jean Louvet, "Bruits de mouches" de Vincent Logeot et "Escurial" de Michel De Ghelderode.
Outre ses talents dans le domaine du spectacle vivant, Marco Taillebuis s'adonne également à la composition musicale. Il a composé les musiques pour "Le système Ribadier", "Bataille" et "La Machine de l'Espoir". En collaboration avec Jeuk Dietrich (compositeur du "Songe", de "Faust", de "Comédie de Venise" et d'"Octopus bloc C"), ils ont créé un CD musical intitulé "AINSI".
Marco Taillebuis est également actif dans le monde du cinéma, avec des participations à des films et des courts métrages, notamment avec Manu Gomez.
En 1995, l'appel de la peinture s'est fait entendre dans la vie de Marco, et depuis, cette passion ne l'a jamais quitté. Aujourd'hui, père de six enfants, il vit en Wallonie avec sa femme Sophie Magerat, auteure de romans et de pièces de théâtre, dans une ancienne ferme entourée de champs et de vergers.
Venez découvrir l'univers riche et polyvalent de Marco Taillebuis lors de notre prochaine exposition, où ses œuvres picturales captivantes seront mises en valeur. Plongez dans l'esprit d'un artiste passionné qui a repoussé les frontières de l'expression artistique à travers la musique, le théâtre et maintenant la peinture.

"Cela" ne semble jamais fini... Une esquisse pour "grossir le trait" de faits
d'actualité, de mythologie et de la famille.

"Brouillon" ou un "peu Ligne claire", le dessin m'échappe souvent pour aboutir
finalement à l' idée de départ.

Humour, horreur ! "Cela" ne semble jamais fini...

Nous avons le plaisir de vous annoncer notre prochaine exposition de Cédric Fassieaux !

Nous avons le plaisir de vous annoncer notre prochaine exposition de Michael Mund : IN SMOG WE TRUST

"𝘔𝘦𝘴 𝘱𝘦𝘪𝘯𝘵𝘶𝘳𝘦𝘴 𝘦𝘵 𝘥𝘦𝘴𝘴𝘪𝘯𝘴 𝘱𝘳𝘰𝘱𝘰𝘴𝘦𝘯𝘵 𝘶𝘯 𝘳𝘦𝘨𝘢𝘳𝘥 𝘲𝘶𝘦𝘭𝘲𝘶𝘦 𝘱𝘦𝘶 𝘱𝘢𝘳𝘵𝘪𝘤𝘶𝘭𝘪𝘦𝘳 𝘴𝘶𝘳 𝘭𝘦 𝘮𝘰𝘯𝘥𝘦 𝘲𝘶𝘪 𝘯𝘰𝘶𝘴 𝘦𝘯𝘵𝘰𝘶𝘳𝘦 𝘦𝘵 𝘭’𝘪𝘯𝘴𝘱𝘪𝘳𝘢𝘵𝘪𝘰𝘯 𝘮𝘦 𝘷𝘪𝘦𝘯𝘵 𝘥𝘶 𝘲𝘶𝘰𝘵𝘪𝘥𝘪𝘦𝘯 𝘲𝘶𝘦 𝘫𝘦 𝘥é𝘵𝘰𝘶𝘳𝘯𝘦 𝘢𝘭𝘭é𝘨𝘳𝘦𝘮𝘦𝘯𝘵 𝘢𝘧𝘪𝘯 𝘥𝘦 𝘮𝘪𝘦𝘶𝘹 𝘮’𝘦𝘯 é𝘷𝘢𝘥𝘦𝘳."

"𝘓𝘢 𝘱𝘭𝘶𝘱𝘢𝘳𝘵 𝘥𝘶 𝘵𝘦𝘮𝘱𝘴, 𝘮𝘦𝘴 𝘱𝘦𝘪𝘯𝘵𝘶𝘳𝘦𝘴 𝘴𝘰𝘯𝘵 𝘵𝘦𝘪𝘯𝘵é𝘦𝘴 𝘥𝘦 𝘤𝘰𝘶𝘭𝘦𝘶𝘳𝘴 𝘷𝘪𝘷𝘦𝘴 𝘦𝘵 𝘥’𝘩𝘶𝘮𝘰𝘶𝘳 𝘴𝘶𝘣𝘵𝘪𝘭 𝘢𝘷𝘦𝘤 𝘤𝘰𝘮𝘮𝘦 𝘱𝘰𝘶𝘳 𝘱𝘰𝘪𝘯𝘵 𝘥’𝘰𝘳𝘨𝘶𝘦, 𝘶𝘯 𝘮𝘦𝘴𝘴𝘢𝘨𝘦 à 𝘭𝘢 𝘤𝘭𝘦𝘧, 𝘶𝘯𝘦 𝘤𝘦𝘳𝘵𝘢𝘪𝘯𝘦 𝘴𝘦𝘯𝘴𝘪𝘣𝘪𝘭𝘪𝘵é 𝘦𝘵 𝘱𝘢𝘳𝘧𝘰𝘪𝘴 𝘶𝘯 𝘭𝘪𝘦𝘯 à 𝘭’𝘦𝘯𝘧𝘢𝘯𝘤𝘦. 𝘑’𝘢𝘪𝘮𝘦 é𝘨𝘢𝘭𝘦𝘮𝘦𝘯𝘵 𝘥𝘰𝘯𝘯𝘦𝘳 𝘶𝘯 𝘴𝘦𝘯𝘴 à 𝘤𝘦 𝘲𝘶𝘦 𝘫𝘦 𝘱𝘦𝘪𝘯𝘴 𝘦𝘵 𝘫𝘦 𝘱𝘦𝘪𝘯𝘴 𝘴𝘶𝘳𝘵𝘰𝘶𝘵 𝘤𝘦 𝘲𝘶𝘦 𝘫’𝘢𝘪𝘮𝘦. 𝘊𝘦𝘵𝘵𝘦 𝘥é𝘮𝘢𝘳𝘤𝘩𝘦 𝘱𝘰𝘶𝘳𝘳𝘢𝘪𝘵 𝘱𝘢𝘳𝘢î𝘵𝘳𝘦 é𝘨𝘰ï𝘴𝘵𝘦 𝘮𝘢𝘪𝘴 𝘤’𝘦𝘴𝘵 𝘤𝘦 𝘲𝘶𝘪 𝘮𝘦 𝘤𝘰𝘯𝘧è𝘳𝘦 𝘶𝘯𝘦 𝘵𝘰𝘵𝘢𝘭𝘦 𝘭𝘪𝘣𝘦𝘳𝘵é 𝘥𝘢𝘯𝘴 𝘮𝘰𝘯 𝘢𝘳𝘵. 𝘔𝘢 𝘵𝘦𝘤𝘩𝘯𝘪𝘲𝘶𝘦 𝘥𝘦 𝘱𝘳é𝘥𝘪𝘭𝘦𝘤𝘵𝘪𝘰𝘯 𝘦𝘴𝘵 𝘭’𝘢𝘤𝘳𝘺𝘭𝘪𝘲𝘶𝘦 𝘮𝘢𝘪𝘴 𝘪𝘭 𝘮’𝘢𝘳𝘳𝘪𝘷𝘦 é𝘨𝘢𝘭𝘦𝘮𝘦𝘯𝘵 𝘥𝘦 𝘵𝘳𝘢𝘷𝘢𝘪𝘭𝘭𝘦𝘳 à 𝘭𝘢 𝘣𝘰𝘮𝘣𝘦 𝘦𝘵 𝘱𝘭𝘶𝘴 𝘵𝘳𝘢𝘥𝘪𝘵𝘪𝘰𝘯𝘯𝘦𝘭𝘭𝘦𝘮𝘦𝘯𝘵 à 𝘭’𝘩𝘶𝘪𝘭𝘦. 𝘘𝘶𝘦𝘭𝘲𝘶𝘦 𝘱𝘢𝘳𝘵, 𝘭𝘢 𝘵𝘦𝘤𝘩𝘯𝘪𝘲𝘶𝘦 𝘪𝘮𝘱𝘰𝘳𝘵𝘦 𝘱𝘦𝘶 𝘵𝘢𝘯𝘵 𝘲𝘶𝘦 𝘭𝘦 𝘳é𝘴𝘶𝘭𝘵𝘢𝘵 𝘧𝘪𝘯𝘢𝘭 𝘦𝘴𝘵 𝘤𝘰𝘩é𝘳𝘦𝘯𝘵."

"𝘓𝘦 𝘧𝘢𝘪𝘵 𝘥𝘦 𝘵𝘳𝘢𝘷𝘢𝘪𝘭𝘭𝘦𝘳 𝘥𝘦 𝘧𝘢ç𝘰𝘯 𝘳é𝘤𝘶𝘳𝘳𝘦𝘯𝘵𝘦 𝘮𝘦𝘴 𝘱𝘦𝘪𝘯𝘵𝘶𝘳𝘦𝘴 𝘦𝘯 « 𝘴é𝘳𝘪𝘦𝘴 » 𝘦𝘴𝘵 𝘶𝘯 𝘱𝘦𝘶 𝘱𝘰𝘶𝘳 𝘮𝘰𝘪 𝘤𝘰𝘮𝘮𝘦 𝘶𝘯𝘦 𝘯𝘰𝘶𝘷𝘦𝘭𝘭𝘦 𝘩𝘪𝘴𝘵𝘰𝘪𝘳𝘦 𝘲𝘶𝘪 𝘴’é𝘤𝘳𝘪𝘵 à 𝘤𝘩𝘢𝘲𝘶𝘦 𝘧𝘰𝘪𝘴."

Plus d'infos : http://www.filleulgalerie.be/mund.html

𝐅𝐫𝐚𝐧ç𝐨𝐢𝐬 𝐁𝐨𝐮𝐭𝐨𝐧 : 𝐑𝐔𝐒𝐓𝐘 𝐖𝐎𝐎𝐃
𝘍𝘳𝘢𝘯ç𝘰𝘪𝘴 𝘢𝘥𝘰𝘳𝘦 𝘳é𝘤𝘶𝘱é𝘳𝘦𝘳 𝘥𝘦𝘴 𝘰𝘣𝘫𝘦𝘵𝘴 𝘪𝘯𝘶𝘵𝘪𝘭𝘦𝘴 𝘦𝘵 𝘭𝘦𝘴 𝘳𝘦𝘵𝘳𝘢𝘷𝘢𝘪𝘭𝘭𝘦𝘳 𝘱𝘦𝘯𝘥𝘢𝘯𝘵 𝘥𝘦𝘴 𝘩𝘦𝘶𝘳𝘦𝘴 𝘱𝘰𝘶𝘳 𝘦𝘯 𝘧𝘢𝘪𝘳𝘦 𝘥𝘦𝘴 𝘵𝘳𝘶𝘤𝘴 𝘲𝘶𝘪 𝘯𝘦 𝘴𝘦𝘳𝘷𝘦𝘯𝘵 à 𝘳𝘪𝘦𝘯. 𝘖𝘯 𝘢𝘱𝘱𝘦𝘭𝘭𝘦 ç𝘢 𝘭 '𝘜𝘱𝘤𝘺𝘤𝘭𝘪𝘯𝘨. 𝘗𝘢𝘴𝘴𝘪𝘰𝘯𝘯é 𝘱𝘢𝘳 𝘭𝘢 𝘤𝘶𝘭𝘵𝘶𝘳𝘦 𝘶𝘳𝘣𝘢𝘪𝘯𝘦 𝘦𝘵 𝘱𝘢𝘳 𝘴𝘦𝘴 𝘤𝘰𝘥𝘦𝘴, 𝘴𝘦𝘴 𝘴𝘶𝘱𝘱𝘰𝘳𝘵𝘴 𝘧𝘢𝘷𝘰𝘳𝘪𝘴 𝘴𝘰𝘯𝘵 𝘥𝘦 𝘷𝘪𝘦𝘪𝘭𝘭𝘦𝘴 𝘱𝘭𝘢𝘯𝘤𝘩𝘦𝘴 𝘥𝘦 𝘴𝘬𝘢𝘵𝘦 𝘦𝘵 𝘥𝘦𝘴 𝘱𝘭𝘢𝘯𝘤𝘩𝘦𝘴 𝘥𝘦 𝘤𝘢𝘰𝘶𝘵𝘤𝘩𝘰𝘶𝘤 𝘢𝘷𝘦𝘤 𝘭𝘦𝘴𝘲𝘶𝘦𝘭𝘭𝘦𝘴 𝘪𝘭 𝘨𝘳𝘢𝘷𝘦 𝘥𝘦𝘴 𝘵𝘢𝘮𝘱𝘰𝘯𝘴. 𝘐𝘭 𝘴’𝘦𝘯 𝘴𝘦𝘳𝘵 𝘦𝘯𝘴𝘶𝘪𝘵𝘦 𝘱𝘰𝘶𝘳 𝘤𝘰𝘮𝘱𝘰𝘴𝘦𝘳 𝘥𝘦𝘴 𝘪𝘭𝘭𝘶𝘴𝘵𝘳𝘢𝘵𝘪𝘰𝘯𝘴 𝘵𝘢𝘮𝘱𝘰𝘯𝘯é𝘦𝘴 𝘴𝘶𝘳 𝘥𝘦𝘴 𝘱𝘢𝘱𝘪𝘦𝘳𝘴 𝘴𝘰𝘶𝘷𝘦𝘯𝘵 𝘳𝘦𝘤𝘺𝘤𝘭é𝘴 𝘦𝘵 𝘴𝘶𝘳 𝘱𝘭𝘦𝘪𝘯 𝘥’𝘢𝘶𝘵𝘳𝘦𝘴 𝘴𝘶𝘱𝘱𝘰𝘳𝘵𝘴.
( 𝘨𝘳𝘢𝘷𝘶𝘳𝘦 𝘯𝘶𝘮é𝘳𝘪𝘲𝘶𝘦 𝘳é𝘢𝘭𝘪𝘴é𝘦 𝘢𝘶 𝘭𝘢𝘴𝘦𝘳… 𝘱𝘢𝘳𝘤𝘦 𝘲𝘶’ê𝘵𝘳𝘦 𝘢𝘶𝘴𝘴𝘪 𝘱𝘳é𝘤𝘪𝘴 𝘢𝘷𝘦𝘤 𝘶𝘯𝘦 𝘨𝘰𝘶𝘨𝘦 𝘦𝘵 𝘶𝘯𝘦 𝘮𝘢𝘪𝘯 𝘨𝘢𝘶𝘤𝘩𝘦, 𝘤’𝘦𝘴𝘵 𝘤𝘩𝘢𝘶𝘥).

𝘓𝘢 𝘳𝘶𝘦 𝘚𝘶𝘳𝘤𝘰𝘶𝘧 𝘴’é𝘵𝘦𝘯𝘥 𝘱𝘭𝘶𝘷𝘪𝘦𝘶𝘴𝘦.

𝘜𝘯 𝘤𝘰𝘭𝘭𝘦𝘤𝘵𝘪𝘧 𝘥’𝘢𝘳𝘵𝘪𝘴𝘵𝘦𝘴 𝘧𝘢𝘵𝘪𝘨𝘶é𝘴 𝘥’é𝘤𝘶𝘮𝘦𝘳 𝘥𝘦𝘴 𝘴𝘢𝘭𝘭𝘦𝘴 𝘷𝘪𝘥𝘦𝘴 𝘴’𝘪𝘯𝘴𝘵𝘢𝘭𝘭𝘦𝘯𝘵 𝘥𝘢𝘯𝘴 𝘭𝘢 𝘳𝘶𝘦.

𝘚𝘩𝘢𝘬𝘦𝘴𝘱𝘦𝘢𝘳𝘦 𝘦𝘵 𝘌𝘮𝘪𝘯𝘦𝘮 𝘧𝘰𝘯𝘵 𝘷𝘢𝘭𝘴𝘦𝘳 𝘭𝘦𝘴 𝘣𝘢𝘥𝘢𝘶𝘥𝘴 𝘲𝘶𝘪 𝘴𝘶𝘣𝘪𝘴𝘴𝘦𝘯𝘵 𝘥𝘦 𝘥𝘳ô𝘭𝘦𝘴 𝘥𝘦 𝘵𝘳𝘢𝘯𝘴𝘧𝘰𝘳𝘮𝘢𝘵𝘪𝘰𝘯𝘴.

𝘈𝘶 𝘭𝘰𝘪𝘯 𝘶𝘯 𝘭𝘢𝘱𝘪𝘯 𝘱𝘢𝘴 𝘮𝘢𝘭𝘪𝘯, 𝘶𝘯𝘦 𝘢𝘮é𝘳𝘪𝘤𝘢𝘪𝘯𝘦 𝘢𝘮𝘰𝘶𝘳𝘦𝘶𝘴𝘦.

𝘓𝘢 𝘷𝘪𝘦 𝘴’é𝘤𝘰𝘶𝘭𝘦 à 𝘱𝘦𝘵𝘪𝘵𝘴 𝘤𝘰𝘶𝘱𝘴 𝘥’é𝘤𝘩𝘦𝘤.

𝘓𝘦𝘴 𝘩𝘶𝘮𝘢𝘪𝘯𝘴 𝘴𝘰𝘶𝘴 𝘭𝘦𝘶𝘳 𝘱𝘢𝘳𝘢𝘱𝘭𝘶𝘪𝘦 𝘤𝘩𝘦𝘳𝘤𝘩𝘦𝘯𝘵 𝘶𝘯𝘦 𝘱𝘰𝘳𝘵𝘦 𝘥𝘦 𝘴𝘰𝘳𝘵𝘪𝘦 𝘦𝘯𝘵𝘳𝘦 𝘭𝘢 𝘱𝘢𝘯𝘪𝘲𝘶𝘦 𝘦𝘵 𝘭’𝘦𝘯𝘯𝘶𝘪.

𝘊𝘩𝘢𝘯𝘨𝘦𝘳 𝘥𝘦 𝘵ê𝘵𝘦 𝘱𝘰𝘶𝘳 𝘯𝘦 𝘱𝘢𝘴 𝘴𝘦 𝘱𝘦𝘳𝘥𝘳𝘦.

𝘌𝘹𝘪𝘴𝘵𝘦𝘯𝘤𝘦 à 𝘣𝘢𝘴𝘴𝘦 𝘢𝘭𝘵𝘪𝘵𝘶𝘥𝘦 𝘦𝘯 𝘱𝘭𝘦𝘪𝘯𝘦 𝘮𝘶𝘵𝘢𝘵𝘪𝘰𝘯.

𝘔𝘰𝘶𝘷𝘦𝘮𝘦𝘯𝘵𝘴 𝘭𝘦𝘯𝘵𝘴 𝘥’𝘶𝘯 𝘣𝘶𝘭𝘭𝘥𝘰𝘴𝘦𝘳; 𝘫’𝘢𝘪 𝘷é𝘤𝘶 𝘶𝘯 𝘣𝘳𝘦𝘧 𝘪𝘯𝘵𝘦𝘳𝘭𝘶𝘥𝘦 𝘦𝘯 𝘱𝘳𝘦𝘯𝘢𝘯𝘵 𝘭𝘦 𝘵𝘩é.

𝘋𝘢𝘯𝘴 𝘶𝘯 𝘤𝘢𝘧é 𝘴𝘰𝘶𝘥𝘢𝘪𝘯 𝘥é𝘴𝘦𝘳𝘵....

Bym n'est pas tombée dans le pot de peinture quand elle était petite... C'est par hasard, qu'en 2022, elle commence à peindre. Depuis, elle créé. Chaque nouvelle, œuvre est l'occasion, d'expérimenter, découvrir et inventer, l'espace d'un instant, un univers coloré, lumineux et en mouvement.

Nous vous invitons à notre prochaine exposition collective chez Fracas !

• Sténopétasses : exposition photographique et sonore réalisée lors d'ateliers chez Vie Féminine sur les femmes et l'espace public. Travail photographique à partir de sténopés accompagné d'enregistrements sonores.

• Figlia di una guerriera par Stéphanie Kerckaert. Exposition de broderie - Création d'un territoire utopique et imaginaire à partir de l'histoire commune avec ma mère. Cette compilation cartographique emprunte à la fois les souvenirs micro-géographiques du réel et les mythes familiaux qui me lient à elle. Sur des textiles familiaux brodée qui autrefois servait à habiller les repas de fête ou à soigner, le territoire et la mémoire rêvée se dessinent en broderie. Langage poétique et intime autour d'une technique transmise de mère en fille.

• Motherhood#2 : par Vanessa Vanderkelen. Exposition photographique sur la charge émotionnelle des mères.

Ateliers : - Atelier de broderie féministe - 18/02 de 15h à 18h prix 15€ - Atelier linogravure - 27/02 de 09h à 12h prix 15€ - Table ronde : « Le métier d'artistes au féminin : enjeux et contraintes » : autour des femmes artistes et la place qu'elles occupent - 05/03 de 18h à 20h.

Jérôme Désert (1973) fait des dessins qui invitent à s’immerger dans un paysage sauvage où l’homme a peut être laissé quelques traces. A la frontière du végétal, du minéral ou de l’animal, ses œuvres incitent à une lecture immersive. Rotring et encre de chine sont ses outils pour cette écriture automatique de lieux imaginaires en friche. Cette invitation, Jérôme Désert la propose aussi en version monumentale qu’il colle dans la ville, créant ainsi des bulles de friche au cœur de nos cités habitées, nettoyées, et parfois asceptisées. Peintre décorateur pour les festivals Couleur Café et Esperanzah, Jérôme Désert vit et travaille à Bruxelles, dans son atelier à Schaerbeek. Il est coordinateur artistique pour la Zinneke parade, édite des livres à partir de ses carnets de dessins et cherche à rester en contact avec un public large et parfois non attendu. Plus d'infos sur l'artiste : www.jeromedesert.com Facebook : Jérôme Désert Instagram : @jerome_desert

𝗢𝗥𝗗𝗘𝗥 𝗜𝗡 𝗖𝗛𝗔𝗢𝗦 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝑀𝑂𝐼, 𝐿𝐴 𝐶𝑅𝐸́𝐴𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐸𝑆𝑇 𝑀𝑂𝑈𝑉𝐸𝑀𝐸𝑁𝑇𝑆, 𝑆𝑂𝑁𝑆, 𝐼𝑀𝐴𝐺𝐸𝑆, 𝑇𝐸𝑋𝑇𝑈𝑅𝐸𝑆 𝐸𝑇 𝐺𝑂𝑈̂𝑇𝑆. 𝐿'𝐼𝑁𝑆𝑃𝐼𝑅𝐴𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐸𝑆𝑇 𝑃𝐴𝑅𝑇𝑂𝑈𝑇. 𝐷𝐸 𝑀𝐴𝑁𝐼𝐸̀𝑅𝐸 𝑁𝐴𝑇𝑈𝑅𝐸𝐿𝐿𝐸 𝑀𝐴𝐼𝑆 𝐴𝑈𝑆𝑆𝐼 𝑃𝐴𝑅 𝐿’𝐼𝑁𝑇𝐸𝑅𝑉𝐸𝑁𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐷𝐸 𝐿’𝐻𝑂𝑀𝑀𝐸. 𝐿𝐸 𝑉𝐸𝑁𝑇 𝐷𝐴𝑁𝑆 𝐿𝐸𝑆 𝐴𝑅𝐵𝑅𝐸𝑆, 𝐿𝐴 𝐿𝑈𝑀𝐼𝐸̀𝑅𝐸 𝑄𝑈𝐼 𝐿𝐸𝑆 𝑇𝑅𝐴𝑉𝐸𝑅𝑆𝐸, 𝐿𝐸 𝑇𝑂𝑈𝐶𝐻𝐸𝑅 𝐷𝐸 𝐿’𝐸́𝐶𝑂𝑅𝐶𝐸. 𝐿𝐸 𝐵𝑅𝑈𝐼𝑇 𝐷𝐸𝑆 𝑃𝐴𝑆 𝐷𝐴𝑁𝑆 𝐿𝐴 𝑅𝑈𝐸, 𝐿’𝑂𝐷𝐸𝑈𝑅 𝐷’𝑈𝑁 𝐸𝑁𝐷𝑅𝑂𝐼𝑇, 𝐿𝐸𝑆 𝐸́𝐶𝐿𝐴𝑇𝑆 𝐷𝐸 𝑉𝑂𝐼𝑋 & 𝐷𝐸 𝐿𝑈𝑀𝐼𝐸̀𝑅𝐸𝑆. 𝐿𝐸𝑆 𝐷𝐼𝐹𝐹𝐸́𝑅𝐸𝑁𝑇𝐸𝑆 𝑆𝐴𝑉𝐸𝑈𝑅𝑆, 𝐿𝐸𝑆 𝑆𝑂𝑁𝑆 & 𝐶𝑂𝑈𝐿𝐸𝑈𝑅𝑆 𝑄𝑈𝐼 𝑆𝑂𝑁𝑇 𝐴𝑈𝑇𝑂𝑈𝑅 𝐷𝐸 𝑁𝑂𝑈𝑆. 𝐿𝐸 𝑃𝑅𝑂𝐶𝐸𝑆𝑆𝑈𝑆 𝐶𝑅𝐸́𝐴𝑇𝐼𝐹 𝐸𝑆𝑇 𝐴𝑈𝑆𝑆𝐼 𝐸𝑁 𝑅𝐴𝑃𝑃𝑂𝑅𝑇 𝐴𝑉𝐸𝐶 𝐿𝐴 𝑆𝐸𝑁𝑆𝐼𝐵𝐼𝐿𝐼𝑇𝐸́ 𝐷𝐸 𝐶𝐻𝐴𝐶𝑈𝑁 𝐸𝑇 𝐿’𝐼𝑁𝑇𝐸́𝑅𝐸̂𝑇 𝑃𝑂𝑅𝑇𝐸́ 𝐴𝑈𝑋 𝐶𝐻𝑂𝑆𝐸𝑆 𝐷𝐸 𝐿𝐴 𝑉𝐼𝐸. 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝑀𝐴 𝑃𝐴𝑅𝑇, 𝐿𝐴 𝐶𝑅𝐸́𝐴𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐶'𝐸𝑆𝑇 𝐷𝐸 𝑀𝐸𝑇𝑇𝑅𝐸 𝐷𝐸 𝐿’𝑂𝑅𝐷𝑅𝐸 𝐷𝐴𝑁𝑆 𝐿𝐸 𝐶𝐻𝐴𝑂𝑆. 𝐿’𝑂𝑅𝐷𝑅𝐸 𝐶𝑂𝑀𝑀𝐸 𝑈𝑁𝐸 𝐸́𝑇𝐴𝑃𝐸 𝐴𝑅𝑇𝐼𝑆𝑇𝐼𝑄𝑈𝐸 𝐷𝐸 𝑅𝐸́𝐹𝐿𝐸𝑋𝐼𝑂𝑁/𝐶𝑂𝑀𝑃𝑂𝑆𝐼𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐸𝑇 𝐿𝐸 𝐶𝐻𝐴𝑂𝑆 𝐶𝑂𝑀𝑀𝐸 𝑈𝑁 𝑃𝑂𝑇 𝑆𝐴𝑁𝑆 𝐹𝐼𝑁 𝐶𝑂𝑁𝑇𝐸𝑁𝐴𝑁𝑇 𝐿𝐸𝑆 𝐸́𝐿𝐸́𝑀𝐸𝑁𝑇𝑆 𝑄𝑈𝐼 𝑁𝑂𝑈𝑆 𝐸𝑁𝑇𝑂𝑈𝑅𝐸𝑁𝑇. 𝑂𝑁 𝑌 𝑃𝐿𝑂𝑁𝐺𝐸 𝐿𝐴 𝑀𝐴𝐼𝑁, 𝑂𝑁 𝑆'𝐸𝑁 𝐼𝑀𝑃𝑅𝐸𝐺𝑁𝐸 𝐸𝑇 𝑂𝑁 𝑅𝐸𝑆𝑆𝑂𝑅𝑇 𝐴𝑉𝐸𝐶 𝐷𝐸𝑆 𝐹𝑅𝐴𝐺𝑀𝐸𝑁𝑇𝑆, 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝐸𝑁𝑆𝑈𝐼𝑇𝐸 𝑅𝐸𝐶𝑂𝑀𝑃𝑂𝑆𝐸𝑅 𝐷’𝐴𝑈𝑇𝑅𝐸𝑆 𝑃𝑅𝑂𝑃𝑂𝑆𝐼𝑇𝐼𝑂𝑁𝑆 𝑄𝑈𝐼 𝑆’𝐴𝑃𝑃𝐴𝑅𝐸𝑁𝑇𝐸𝑁𝑇 𝐴̀ 𝐷𝐸 𝐿’𝐴𝑅𝑇. 𝑆𝐴𝑁𝑆 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝐴𝑈𝑇𝐴𝑁𝑇 𝐿’𝐸̂𝑇𝑅𝐸 𝐹𝑂𝑅𝐶𝐸́𝑀𝐸𝑁𝑇. 𝐼𝐿 𝐹𝐴𝑈𝑇 𝐷𝐸𝑆 𝐸́𝐿𝐸́𝑀𝐸𝑁𝑇𝑆 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝐹𝐴𝐶̧𝑂𝑁𝑁𝐸𝑅 𝑈𝑁𝐸 Œ𝑈𝑉𝑅𝐸, 𝑃𝐸𝑈 𝐼𝑀𝑃𝑂𝑅𝑇𝐸 𝑆𝐴 𝐹𝑂𝑅𝑀𝐸. 𝐿𝐴 𝐶𝑅𝐸́𝐴𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐸𝑆𝑇 𝐿’𝐸𝑋𝑃𝑅𝐸𝑆𝑆𝐼𝑂𝑁 𝐿𝐴 𝑃𝐿𝑈𝑆 𝐷𝐼𝑅𝐸𝐶𝑇𝐸 & 𝑃𝑅𝑂𝐹𝑂𝑁𝐷𝐸 𝐷𝐸 𝐿𝐴 𝑉𝐼𝐸. 𝑃𝐴𝑆 𝑆𝐸𝑈𝐿𝐸𝑀𝐸𝑁𝑇 𝐻𝑈𝑀𝐴𝐼𝑁𝐸 𝑀𝐴𝐼𝑆 𝐴𝑈𝑆𝑆𝐼 𝐷𝐴𝑁𝑆 𝐿𝐸𝑆 𝑃𝑅𝑂𝐶𝐸𝑆𝑆𝑈𝑆 𝑁𝐴𝑇𝑈𝑅𝐸𝐿𝑆 𝑄𝑈𝐼 𝑁𝑂𝑈𝑆 𝐸𝑁𝑇𝑂𝑈𝑅𝐸𝑁𝑇: 𝑈𝑁𝐸 𝐹𝑂𝑅𝐸̂𝑇 𝐸𝑇 𝑆𝑂𝑁 𝐸́𝐶𝑂𝑆𝑌𝑆𝑇𝐸̀𝑀𝐸, 𝑈𝑁 𝐷𝐸́𝑆𝐸𝑅𝑇 𝑄𝑈𝐼 𝐸́𝑉𝑂𝐿𝑈𝐸 𝐸𝑁 𝐹𝑂𝑁𝐶𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐷𝐸𝑆 𝐵𝑂𝑈𝑅𝑅𝐴𝑆𝑄𝑈𝐸𝑆 & 𝐷𝐸 𝑆𝑂𝑁 𝐸𝑋𝑃𝑂𝑆𝐼𝑇𝐼𝑂𝑁 𝐴̀ 𝐿𝐴 𝐿𝑈𝑀𝐼𝐸̀𝑅𝐸, 𝐿𝐸 𝐶𝐻𝐴𝑁𝑇 𝐷𝐸𝑆 𝐷𝑈𝑁𝐸𝑆 𝑄𝑈𝐼 𝐿'𝐴𝐶𝐶𝑂𝑀𝑃𝐴𝐺𝑁𝐸. 𝐿’𝐸𝐴𝑈 𝐴𝑉𝐸𝐶 𝑆𝑂𝑁 𝑅𝑈𝐼𝑆𝑆𝐸𝐿𝐿𝐸𝑀𝐸𝑁𝑇, 𝑆𝑂𝑁 𝐶𝑌𝐶𝐿𝐸, 𝑆𝐸𝑆 𝑀𝐴𝑅𝐸́𝐸𝑆. 𝐿𝐸 𝑃𝐴𝑅𝐹𝑈𝑀 𝐷’𝑈𝑁𝐸 𝑃𝐿𝑈𝐼𝐸 𝐴𝑃𝑅𝐸̀𝑆 𝑈𝑁𝐸 𝐽𝑂𝑈𝑅𝑁𝐸́𝐸 𝐵𝐼𝐸𝑁 𝐶𝐻𝐴𝑈𝐷𝐸, 𝐿’𝑂𝐷𝐸𝑈𝑅 𝑆𝑂𝑈𝐹𝑅𝐸́𝐸 𝐷𝐸 𝐿'𝐸𝐴𝑈 𝑆𝑇𝐴𝐺𝑁𝐴𝑁𝑇𝐸 𝐷'𝑈𝑁 𝑀𝐴𝑅𝐴𝐼𝑆. 𝐿𝐴 𝑉𝐼𝐸 𝑌 𝑅𝐸𝑃𝑅𝐸𝑁𝐷 𝑆𝐸𝑆 𝐷𝑅𝑂𝐼𝑇𝑆, 𝐿𝐸𝑆 𝑀𝐴𝑇𝐼𝐸̀𝑅𝐸𝑆 𝑉𝐸́𝐺𝐸́𝑇𝐴𝐿𝐸𝑆 𝑆𝐸 𝐷𝐸́𝐶𝑂𝑀𝑃𝑂𝑆𝐸𝑁𝑇 𝐸𝑇 𝑆𝐸 𝑅𝐸𝐶𝑂𝑀𝑃𝑂𝑆𝐸𝑁𝑇. 𝐶𝐸𝑆 𝑆𝑂𝑈𝑅𝐶𝐸𝑆 𝐷'𝐼𝑁𝑆𝑃𝐼𝑅𝐴𝑇𝐼𝑂𝑁 𝑆𝑂𝑁𝑇 𝑂𝑀𝑁𝐼𝑃𝑅𝐸́𝑆𝐸𝑁𝑇𝐸𝑆. 𝑆𝑂𝑀𝑀𝐸𝑆-𝑁𝑂𝑈𝑆 𝐴𝑆𝑆𝐸𝑍 𝑆𝐸𝑁𝑆𝐼𝐵𝐿𝐸𝑆 𝐸𝑇 𝑂𝑈𝑉𝐸𝑅𝑇𝑆 𝐷'𝐸𝑆𝑃𝑅𝐼𝑇 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝑆'𝐸𝑁 𝐼𝑀𝑃𝑅𝐸́𝐺𝑁𝐸𝑅? 𝑇𝑂𝑈𝑇 𝐸𝑆𝑇 𝐿𝐴̀. 𝑂𝑁 𝐸𝑁 𝑃𝑅𝐸𝑁𝐷 𝐷𝐸𝑆 𝐵𝑂𝑈𝑇𝑆 𝐷𝐸 𝑉𝐼𝐸 𝑃𝐴𝑅-𝐶𝐼 𝑃𝐴𝑅-𝐿𝐴̀ 𝑃𝑂𝑈𝑅 𝐿𝐸𝑆 𝐴𝑆𝑆𝐸𝑀𝐵𝐿𝐸𝑅 𝐸𝑇 𝐶𝑅𝐸́𝐸𝑅.. …𝑇𝑂𝑈𝑇 𝐸𝑆𝑇 𝐿𝐴̀. 𝑀𝐴𝐼𝑆 𝑄𝑈'𝐸𝑁 𝐹𝐴𝐼𝑇-𝑂𝑁 ? -- François Rodrigues De Oliveira, Francis RODEO. Créatif, Curieux de nature, je m’intéresse, je m'imprègne et crée avec les éléments qui nous entourent. Pour moi les différents sons, images/couleurs, textures et mouvements sont des éléments bruts d’inspiration, me servant à composer en fonction de mes idées. Ce qui explique la multitude de techniques utilisées pour mes propositions artistiques. Que ça soit le dessin, la photographie, la vidéo, la sculpture, les arts numériques, conceptuels, les installations. À bien y réfléchir j’ai de moins en moins tendance à me structurer derrière les « arts classiques ». J’assemble, je multiplie et mêle différents moyens d’expressions Les propositions sont diverses et variées.

Graphiste de formation, il enseigne la communication visuelle à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles avant de s’installer comme illustrateur free-lance.

En 1998 paraît «On ira à Mopti», son premier livre pour enfants aux éditions Labor. Il sera suivi de «Mon petit oiseau» édité en Suisse à La Joie de Lire.
Coloriste de Philippe Geluck depuis 1990, il collabore à la série «Le Fils du Chat» éditée par Casterman.

Comme dessinateur de presse, ses dessins ont été publiés notamment dans La Libre Belgique, Le Soir, La dernière Heure, L’Echo, Trends Tendances, Flair, Metro, Fluide Glaciale et Spirou.
En BD, il signe chez Fluide Glacial «Manager, mode d’emploi», les "Frères siamois» chez Paquet et "Mademoiselle F" aux éditions du Lombard.
En auto-édition, il publie plusieurs art books, édités conjointement à des expositions de dessins originaux.

L’iconographie du jazz, le corps humain et l'urban sketching sont ses sujets de prédilection.

Ses oeuvres ont été exposées à la Galerie Image2, au Théâtre national, à la Galerie Le magasin en papier, au Théâtre Marni, à la Galerie Arts Factory, à la Librairie Ramd’Âme, chez Jazz9, à la Galerie Huberty Breyne, à la Galerie de l'A2, au Pavillon du cartoonfestival de Knokke-Heist, à La maison de l’image, à la Galerie Lierhmann, à la Librairie Peinture Fraîche et à la Galerie de l'A2.

EXPOSITION COLLECTIVE
𝗠𝗔𝗦𝗧𝗘𝗥 𝗗𝗘𝗦𝗦𝗜𝗡 𝟭.𝟮 𝗱’𝗔𝗥𝗧𝗦²

L’atelier Dessin vous invite le 06/06 à 18h00 pour le VERNISSAGE de l’EXPO-JURY des étudiants de MASTER 1 et 2 DE l’ATELIER DESSIN D’ARTS²

Eva Badalamenti / Emeline Dupont / Chiara Bambusa / Ambroise Le Goff / Ludovic Cuche / Alicia Albenzio / Margot Dauwe

Entre aiguilles et crayons, elle s’interroge…
Charlotte Versnick expose dans un des Rhizomes, le plus vitré qui plus est.
Passez donc devant… Et puis, jetez-y un œil...

Anna, jeune Ukrainienne réfugiée politique de 23 ans; entame son parcours artistique en Belgique en 2022 en réaction à un sentiment d impuissance face à une réalité inévitable et immuable.
Autodidacte, elle rejoint les rangs d Arts2 pour parfaire sa technique et son style : la peinture caricaturale. Alors que les politiciens jouent inlassablement avec la vie des gens, Anna décide de jouer avec eux sur ses toiles et crée diverses scènes les impliquant. Son objectif ? Provoquer des réactions, susciter réflexions et discussions sur des sujets dont on parle moins.

"Elisa Peter explore un dialogue intime entre joie et tristesse, à travers les yeux d’une jeune artiste de 22 ans.
Mélangeant photographie, peinture, collage et sculpture, l’artiste partage une année de réflexion intense sur la perception du monde et des autres.
L’exposition se décline en quatre parties, chacune invitant à la contemplation et à l’introspection, tout en offrant un espace d’expression libre aux visiteurs.

Plongez dans un univers visuel où chaque œuvre est une réflexion sur la vision, l’écoute, et la manière dont nous interagissons avec le monde qui nous entoure."

Manu De Mey was born in Antwerp in 1965, his mother a British artist and his father a Flemish accountant.

With his art, Manu tries to create something visually striking and convey a strong emotion. His portraits often are ambiguous and this is mostly intentional. Manu's world is populated with vulnerable, melancholic people with suppressed emotion.

Manu has had several expositions all over the world, including Antwerp, Brussels, Amsterdam, Paris, Berlin, Madrid, Italy, Monaco, Kopenhagen, Cairo, China and Taiwan.

https://www.manudemey.be/
https://www.instagram.com/manudemey/

Manu De Mey est né à Anvers en 1965, sa mère est une artiste anglaise et son père un comptable flamand.

Au travers de son art, Manu essaie de créer quelque chose de visuellement frappant et de transmettre une émotion forte. Ses portraits sont souvent ambigus, de manière généralement intentionnelle. Le monde de Manu est peuplé de personnes vulnérables, mélancoliques et aux émotions réprimées.

Manu a exposé à plusieurs reprises dans le monde entier, notamment à Anvers, Bruxelles, Amsterdam, Paris, Berlin, Madrid, en Italie, à Monaco, à Copenhague, au Caire, en Chine et à Taiwan.

Là où va le regard…

Le réel est insaisissable, il est tissé de milles choses.
Comment photographier un paysage sans le trahir, sans lui enlever sa présence pure, surtout quand il a été mainte et mainte fois photographié… ?

Je tente de créer une fissure par où mon regard peux se glisser.
À l’heure où les images envahissent nos espaces, il est pour moi essentiel de revenir à ce geste photographique qui nous engage dans la relation au monde. Pour ce faire, je laisse ces paysages se diffuser peu à peu en moi pour qu’une partie du réel puisse naturellement se révéler à nous.

Là où vont les mots
Avec Fleur Sizaire

Nous vous invitons au vernissage de l'exposition d'Ophélie De Cicco le jeudi 9 janvier à partir de 16h00. 𝐶𝑒𝑡𝑡𝑒 𝑒𝑥𝑝𝑜𝑠𝑖𝑡𝑖𝑜𝑛 𝑟𝑎𝑐𝑜𝑛𝑡𝑒 𝑚𝑜𝑛 𝑝𝑜𝑖𝑛𝑡 𝑑𝑒 𝑟𝑒𝑛𝑐𝑜𝑛𝑡𝑟𝑒 𝑎𝑣𝑒𝑐 𝑙’𝑎𝑟𝑡𝑖𝑠𝑡𝑒 𝐸𝑟𝑖𝑘 𝑆𝑎𝑡𝑖𝑒. 𝐿𝑎 𝑑𝑒́𝑐𝑜𝑢𝑣𝑒𝑟𝑡𝑒 𝑑𝑒 𝑙’𝑢𝑛𝑖𝑣𝑒𝑟𝑠 𝑑𝑒́𝑐𝑎𝑙𝑒́ 𝑑𝑢 𝑝𝑖𝑎𝑛𝑖𝑠𝑡𝑒 𝑒𝑡 𝑐𝑜𝑚𝑝𝑜𝑠𝑖𝑡𝑒𝑢𝑟 𝑓𝑟𝑎𝑛𝑐̧𝑎𝑖𝑠 𝑎 𝑟𝑒́𝑠𝑜𝑛𝑛𝑒́ 𝑝𝑟𝑜𝑓𝑜𝑛𝑑𝑒́𝑚𝑒𝑛𝑡 𝑎𝑣𝑒𝑐 𝑙𝑒 𝑚𝑖𝑒𝑛. 𝐸𝑟𝑖𝑘 𝑆𝑎𝑡𝑖𝑒 𝑒́𝑡𝑎𝑖𝑡 𝑢𝑛 𝑚𝑢𝑠𝑖𝑐𝑖𝑒𝑛 𝑞𝑢𝑖 𝑝𝑒𝑛𝑠𝑎𝑖𝑡 𝑒𝑛 𝑖𝑚𝑎𝑔𝑒𝑠. 𝐼𝑙 𝑙𝑒𝑠 𝑡𝑟𝑎𝑑𝑢𝑖𝑠𝑎𝑖𝑡 𝑎𝑣𝑒𝑐 𝑎𝑢𝑡ℎ𝑒𝑛𝑡𝑖𝑐𝑖𝑡𝑒́ 𝑒𝑡 ℎ𝑜𝑛𝑛𝑒̂𝑡𝑒𝑡𝑒́. 𝐶’𝑒𝑠𝑡 𝑣𝑒́𝑟𝑖𝑡𝑎𝑏𝑙𝑒𝑚𝑒𝑛𝑡 𝑐𝑒𝑡𝑡𝑒 𝑚𝑎𝑛𝑖𝑒̀𝑟𝑒 𝑑𝑒 𝑓𝑎𝑖𝑟𝑒 𝑛𝑎𝑖̂𝑡𝑟𝑒 𝑙’𝑎𝑟𝑡 𝑞𝑢𝑖 𝑚𝑒 𝑓𝑎𝑖𝑡 𝑒́𝑐ℎ𝑜 𝑒𝑛 𝑡𝑎𝑛𝑡 𝑞𝑢’𝑖𝑙𝑙𝑢𝑠𝑡𝑟𝑎𝑡𝑟𝑖𝑐𝑒 𝑒𝑡 𝑝𝑙𝑎𝑠𝑡𝑖𝑐𝑖𝑒𝑛𝑛𝑒. 𝐿𝑒𝑠 𝑎𝑙𝑙𝑒𝑟𝑠-𝑟𝑒𝑡𝑜𝑢𝑟𝑠 𝑝ℎ𝑦𝑠𝑖𝑞𝑢𝑒𝑠 𝑎𝑢𝑡𝑎𝑛𝑡 𝑞𝑢𝑒 𝑚𝑒́𝑡𝑎𝑝ℎ𝑜𝑟𝑖𝑞𝑢𝑒𝑠 𝑑𝑎𝑛𝑠 𝑠𝑎 𝑚𝑎𝑖𝑠𝑜𝑛, 𝑠𝑜𝑛 𝑓𝑜𝑦𝑒𝑟, 𝑎𝑖𝑛𝑠𝑖 𝑞𝑢𝑒 𝑙𝑎 𝑚𝑒𝑟, 𝑠𝑜𝑛 𝑜𝑏𝑠𝑒𝑠𝑠𝑖𝑜𝑛 𝑒́𝑝𝑖𝑠𝑡𝑜𝑙𝑎𝑖𝑟𝑒, 𝑟𝑒𝑣𝑒̂𝑡𝑒𝑛𝑡 𝑢𝑛𝑒 𝑠𝑦𝑚𝑏𝑜𝑙𝑖𝑞𝑢𝑒 𝑡𝑟𝑒̀𝑠 𝑝𝑟𝑒́𝑠𝑒𝑛𝑡𝑒 𝑑𝑎𝑛𝑠 𝑠𝑜𝑛 œ𝑢𝑣𝑟𝑒 𝑞𝑢𝑖 𝑜𝑛𝑡 𝑓𝑎𝑖𝑡 𝑛𝑎𝑖̂𝑡𝑟𝑒 𝑙𝑒𝑠 𝑖𝑚𝑎𝑔𝑒𝑠 𝑑𝑒 𝑐𝑒𝑡𝑡𝑒 𝑒𝑥𝑝𝑜𝑠𝑖𝑡𝑖𝑜𝑛. 𝐶𝑒 𝑡𝑟𝑎𝑣𝑎𝑖𝑙 𝑠𝑢𝑟 𝐸𝑟𝑖𝑘 𝑆𝑎𝑡𝑖𝑒 𝑛’𝑒𝑠𝑡 𝑛𝑖 𝑏𝑖𝑜𝑔𝑟𝑎𝑝ℎ𝑖𝑞𝑢𝑒, 𝑛𝑖 ℎ𝑖𝑠𝑡𝑜𝑟𝑖𝑞𝑢𝑒. 𝐶’𝑒𝑠𝑡 𝑙’ℎ𝑖𝑠𝑡𝑜𝑖𝑟𝑒 𝑑’𝑢𝑛𝑒 𝑒́𝑡𝑖𝑛𝑐𝑒𝑙𝑙𝑒, 𝑐’𝑒𝑠𝑡 𝑢𝑛𝑒 𝑖𝑛𝑡𝑒𝑟𝑝𝑟𝑒́𝑡𝑎𝑡𝑖𝑜𝑛 𝑟𝑒̂𝑣𝑒́𝑒 𝑑’𝑢𝑛 𝑚𝑢𝑠𝑖𝑐𝑖𝑒𝑛 𝑑𝑒𝑠 𝑖𝑑𝑒́𝑒𝑠 𝑞𝑢𝑖 𝑎 𝑜𝑠𝑒́ 𝑣𝑖𝑣𝑟𝑒 𝑎̀ 𝑐𝑜𝑛𝑡𝑟𝑒𝑡𝑒𝑚𝑝𝑠.

Nous avons le plaisir de vous inviter au nouveau vernissage de la galerie FRACAS, "Ainsi soit-il" la nouvelle exposition de Laurence Nelen, alias “ Lo".

Laurence Nelen explore la 3D. En utilisant des cadres bombés anciens, elle parvient à apporter du relief à ses créations. Le thème de l'exposition revisite des sujets tels que l'amour, la mort, la féminité et la guerre. Pour cela, elle crée des petites histoires en découpant des gravures anciennes d'encyclopédies du 19e siècle, toujours avec une touche de surréalisme et un brin d'humour qui la caractérise .

Vous trouverez également une série de sculptures et d'installations sur le thème de la religion. "Mères de tout.es" présente des statues récupérées de la casse et endommagées . Certaines têtes disparues ont été remplacées par des têtes de créatures imaginaires .

"Ce que je souhaite, c'est ouvrir l'esprit à la religion. Comment ? Marie devient la mère de tous .Avec "Libérée, délivrée", j'ai permis à Jésus de se libérer de sa croix et de retrouver sa liberté."

"Je pense les plaies"

Formé aux arts plastiques, j’ai renoué avec la création depuis quatre ans. Mon travail est une exploration constante, un mélange d’expérimentations où l’acrylique reste ma base essentielle. J’aime jouer avec les textures, les matières, chercher de nouvelles sensations visuelles et tactiles.

Mon inspiration vient des rapports humains, des dynamiques sociales qui nous lient et nous façonnent. Chaque toile est un exutoire, un moyen d’exprimer l’indicible, un processus que certains qualifient d’art-thérapie.

"Je pense les plaies", un titre qui résonne autant dans la douleur que dans la résilience. À vous d’y plonger, d’y lire votre propre histoire.

Son art du collage est un voyage où se croisent l’improbable et le poétique, où chaque image s’assemble avec une délicatesse presque instinctive pour créer des scènes empreintes de douceur et de mystère.

Laissez-vous surprendre par son regard unique et venez partager un moment privilégié avec l’artiste.

" Chaque œuvre est une invitation au rêve, un moment suspendu, un mystère troublant, des yeux qui sourient, une parenthèse enchantée. De la poésie à l’état pur.
Narjes Rejeb est une magicienne qui rassemble le temps d’un songe le poisson et la pomme, la feuille et la femme, la fleur et la baleine. Elle compose ses oeuvres comme un oiseau fait son nid. Elle picore autour d’elle des centaines d’images qu’elle découpe avec un soin infini. Le moment venu, elle invite quelques-unes d’entre elles à se réunir pour offrir au spectateur le cocon velouté d’un collage, où il pourra poser son regard pour un instant de grâce.
Ses œuvres résonnent dans le cœur comme une chanson douce, les premiers mots d’un poème, un regard tendre que l’on voudrait retenir. Laissez-vous rêver.
- Luc Leens

Cette exposition réunit les regards croisés de deux artistes , le photographe Ben Buisson et le peintre Jérôme Désert, autour d’une même volonté : rendre visibles ce et ceux que l’on ne voit pas, que l'on ne voit plus. Ce qui persiste à la lisière, dans l’ombre, mais façonne pourtant nos représentations collectives.

Depuis plus de dix ans, Ben Buisson photographie les visages de celles et ceux qui font la ville de Mons et du Borinage. Des portraits pris depuis le Bateau Ivre, café emblématique et point d’observation privilégié, où Ben travaillait: personnes de passage, habitués, figures marginalisées. Le regard est attentif, jamais frontal. Il s’agit de raconter, par la photographie, les mémoires ordinaires, les invisibles du quotidien. Vingt ans d'images parfois mises en réserve, archivées, comme mises en boîte – au sens propre comme au figuré.

Face à ces mémoires photographiques, Jérôme Désert propose une installation intitulée "Abri de fortune". Elle s’élève comme un abri, une cabane faite d’un assemblage dense de toiles peintes entre 2003 et 2022. Elle interroge le devenir d’une œuvre, d’une mémoire. Que faire de ce qui n’a plus de place dans le présent ? Garder, stocker, oublier ? Ici, les toiles accumulées, compactées, reconstituent une forme à la fois brute et intime, clin d'œil à la symbolique de la chambre d’adolescent, espace de repli et de construction de soi. L’abri comme lieu d’introspection, de mémoire, d’identité en construction. Un abri lui aussi à double sens : protecteur, provisoire, précaire aussi.

Ben Buisson et Jérôme Désert travaillent en écho. Ils créent, compilent, captent, couvrent, parfois amassent. Chacun dans leur pratique respective, ils exhument dans cette exposition des images mises en boîte, en réserve, re-donnent vie à ce qui semblait relégué. C’est un retour sur des souvenirs, sur des instants cachés, pour mieux interroger le présent. Ils re-mettent à vue l’infime et de l’intime, guident les regards là où les choses se jouent en silence, souvent hors champ.

e travail introspectif, méditatif et hypnotique évolue à son propre rythme. Entamé en 2015, il est influencé par des souvenirs de dessins réalisés à différentes périodes de ma vie. Je le reprends par intermittence, me laissant ainsi m'évader dans des représentations libres, dont les contraintes sont souvent remises en question. D'abord, dans un geste franc, à la manière d'une calligraphie, le pinceau écrit ses premières traces. Elles se superposent, s'enchevêtrent avec minutie, créant des circulations énergétiques, se fragmentent et, comme dans un espace mental, communiquent. De ces entrelacs émergent de nouvelles représentations spatiales, faussant la perspective. Presque micro-organique, un fond de matière apparaît et, à l’image d’un écosystème, une structure se crée. Ce projet invite à un voyage, une traversée des couleurs de la terre à celles du ciel, de la lumière du nord à celle du sud.

" Depuis sa première peinture à l’âge de 4 ans, son parcours artistique n’a cessé d’évoluer. Influencé par le street art, l’expressionnisme, la pop culture et la science-fiction (Orwell, Philip K. Dick), il développe un univers singulier où se croisent questionnements existentiels et visions futuristes.
Son œuvre interroge les grandes mutations de notre société, ses dérives, mais aussi les mystères de la condition humaine : Pourquoi sommes-nous là ? Est-ce réel ou non ? Ses portraits de femmes, très reconnaissables, sont traversés par une émotion brute, entre force et fragilité, beauté et mélancolie.
Au cœur de son travail : l’âme. Ce souffle invisible qu’il tente de rendre visible à travers des formes graphiques récurrentes et une tension entre corps et esprit.

Présenté depuis 2011 dans de nombreuses expositions en Belgique et en France, Anthony Lamotte livre ici une vision puissante et intime du monde."

Deux projets singuliers se rencontrent dans l’espace de la galerie pour interroger les notions d’identité, de territoire et de transmission. Le premier, porté par l’artiste Myriam Desy, questionne le textile WAX et ses multiples significations culturelles. Le second, un projet collectif, rassemble des artistes de divers horizons autour d’une cartographie sensible du déplacement et de l’intégration.

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MYRIAM DESY

L’idée du WAX c’est l’image de l’Afrique. Même si on connaît les origines coloniales du WAX, ce textile est devenu un symbole pour le continent. Adopté par tous, il est porteur de messages, habille les cérémonies, fait partie du quotidien, est source de convoitises, participe à l’émancipation des femmes africaines…

Dans mon travail, le WAX représente les origines et par mes actions de détournement, je tente de rendre le WAX plus bavard encore. Dans un style « inventaire » j’explore la multitude des attitudes observées lors des tentatives d’intégration.

Qu’est-ce que s’intégrer ? Qu’est-ce que ça implique ? Faut-il renoncer à tout ? Nier ses origines ? Qu’est-on prêt à partager ? Mélanger ? Adopter ? Lâcher ? Délaisser ? Respecter ? Acquérir ? Offrir ?…

Quelle est la part d’enthousiasme, de rêve et… de déception dans cette quête ?

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NOTRE CARTE

« NOTRE CARTE » est un projet de collaboration artistique initié par MYRIAM DESY inspiré par une rencontre avec des migrants.

Depuis 2018, Myriam invite d’autres artistes à s’animer autour de certaines de ses propositions graphiques. L’idée est née de l’envie de mener une réflexion sur le territoire, le déplacement et de soutenir l’action de la PLATEFORME CITOYENNE D’AIDE AUX RÉFUGIÉS.

Chaque dessin trouve sa place dans un assemblage collectif, se glissant entre les réalisations déjà en place, ou amorçant un espace à prolonger… comme la pièce d’un puzzle en perpétuelle mouvance…

Olivier SONCK (B), Hélène DE GOTTAL (B), Candace LIETART (B), Camille LOISEAU (Cambodge), Pascal MAYEUR (B), Driss NELFY (Maroc), Romina Remmo (B), Justine MASCARILLA (B), Myriam HEQUET (F), Anne-Sophie GEORGES (B), Pelinda MOLUNDA (RDC), YAPAUD (Côte d’Ivoire), Pascal RACHOU (CN), Youssouf BATH (CI), Soumaïla KAMAGATE (CI), Alli ASSE (CI) et Jean N’GORAN KOUAME (CI) ont déjà relevé le défi. Cet été, la dynamique est relancée lors de nouveaux workshops… à suivre…

Les artistes de l'Atelier 47b vous proposent de découvrir leur ressenti, leur imaginaire et leur sensibilité à travers leurs réalisations lors d’une exposition collective. Laissez-vous emporter au cœur d’univers riches et singuliers, où une grande diversité de techniques dialogue avec harmonie, dans une belle énergie. Un sentiment d’unité se dégage, reflet de la joie de créer ensemble. L’Atelier 47b est un espace transitionnel de création artistique, de reliance et de résilience. Situé au cœur de Mons, il offre à des personnes fragilisées en santé mentale, un lieu d’accueil, d’écoute et de partage. Dans un cadre bienveillant, l’Atelier propose aux participants de s’engager dans des projets artistiques en laissant libre cours à leur créativité au travers de différents médias et techniques tels que la peinture, le dessin, le collage ou l’écriture…

Ensemble, voyons la vie en PINK ! À l’occasion de la campagne mondiale de sensibilisation au dépistage du cancer du sein, la galerie FRACAS vous ouvre ses portes de son exposition collective PINK. Un rendez-vous artistique inédit qui réunit les talents du CRC, de l’Atelier 47b et de L’Intermède. Entre audace, détournement et jeu, PINK est une expérience visuelle qui bouscule, surprend et invite à explorer de nouveaux regards. Plongez dans un univers vibrant, créatif et engagé. Galerie FRACAS : 50, rue des Capucins - 7000 Mons Dates : du 9 au 25 octobre Mer-Sam de 10h à 18h Vernissage : jeudi 9 octobre 16h - L’Atelier 47b est un espace transitionnel de création artistique, de reliance et de résilience. Situé au cœur de Mons, il offre à des personnes fragilisées en santé mentale, un lieu d’accueil, d’écoute et de partage. Dans un cadre bienveillant, l’Atelier propose aux participants de s’engager dans des projets artistiques en laissant libre cours à leur créativité au travers de différents médias et techniques tels que la peinture, le dessin, le collage ou l’écriture… - L’Intermède est un espace de soutien et mieux-être créé dans le but d’aider les patients à conserver leur bien-être émotionnel et physique pendant et après les traitements en oncologie. Cette maison est destinée à tous les patients traités au CHU Ambroise Paré pour tout type de cancer et ce, dès l’annonce du diagnostic.

Avec Les Brandons, Hubert Bouttiau signe une nouvelle étape de sa recherche picturale. Délaissant les dessins moqueurs et ironiques de ses années aux Beaux-Arts de Tournai, l'artiste affirme une peinture plus introspective et sensible. Ses toiles naissent d'images troublantes, parfois énigmatiques, qui le questionnent autant qu'elles nous interpellent.

Elles se construisent dans un dialogue entre maîtrise et débordement : des aplats calmes et apaisants côtoient des traits d'huile plus nerveux, presque sauvages, où se rejoue la tension permanente entre le calme et l'agitation.

Cette dualité technique, entre l'acrylique et l'huile, devient le reflet d'un équilibre plus profond : celui entre le synthétique et le vivant, entre le contrôle du geste et la matière qui échappe. L'acrylique, posée en aplats, agit comme un point d'attention, une respiration, tandis que l'huile incarne la pulsation organique de la peinture. Les Brandons témoigne ainsi d'une maturité nouvelle, où la surface picturale devient terrain d'exploration intérieure autant que champ d'expérience visuelle.

Sandrine Liégeois travaille à la frontière entre la matière et le corps, là où se nouent des dialogues inattendus. Formée au dessin, à la peinture et aux arts du feu, elle a d'abord été opticienne, un métier qui lui a appris à travailler le métal avec précision : braser, limer, polir. Aujourd'hui, elle détourne ces gestes techniques pour les faire entrer dans une démarche sculpturale plus libre.

Elle développe son travail autour des volumes, des vides et des textures, notamment au sein de l'atelier d'Arnaud Sprimont. En parallèle, sa rencontre avec le bijoutier touareg Mahamat Ajidar Hada a ouvert une nouvelle voie : celle du bijou-sculpture, objet à porter certes, mais aussi forme à part entière, qui dialogue avec le corps.

Dans cette exposition, Sandrine nous emmène au cœur de la transformation. Béton, plâtre, caoutchouc, chanvre, terre, métaux précieux ou bruts : tout se répond, tout évolue. Certaines pièces s'oxydent, se fissurent, parfois même brûlent. Loin d'être des accidents, ces altérations font partie du processus, elles racontent quelque chose du temps qui passe, de la matière qui vit.

Le corps est présent aussi, parfois en filigrane, parfois de manière plus évidente. Il traverse ces sculptures comme une trace, un écho. Entre fragilité et résistance, tension et vulnérabilité, chaque œuvre interroge notre rapport à l'autre, à nous-mêmes, à ce qui persiste ou se défait.

Cette exposition n'est pas qu'une simple présentation de formes : c'est une invitation à observer des états, à lire des récits, à suivre des métamorphoses.

Simon "Mosin" Chapelle - Tronches de vie

Entre graffiti, BD et illustration, Simon "Mosin" Chapelle explore sans relâche son sujet de prédilection : la vie. Celle qui marque et laisse des traces. Celle qui abime ou illumine. Celle qui se construit entre rires et larmes, entre calme et tempête.

Avec son projet "tronches de vie", il nous livre une série de portraits où la diversité des émotions et la complexité des personnalités s'expriment dans une explosion de couleurs et de textures.

Pas de visages lisses ni de beautés standardisées, mais des gueules tordues, déformées par des sentiments qu'une construction synthétique ne peut contenir, pas plus qu'une convention sociale ne peut dicter.

Des corps qui s'entremêlent. Des figures qui se cherchent, se touchent, s'enlacent. Dans ses dessins, les personnages ne posent pas : ils vivent, dans un enchevêtrement de lignes et de formes où chaque trait semble guidé par l'instinct.

À la mine de plomb, au crayon de couleur ou au pastel, Nils Dieu explore l'humain sous toutes ses facettes. Ses œuvres, à la fois intimes et universelles, nous parlent de fragilité, de liens, de présence. On y croise des scènes du quotidien, des visions plus oniriques, des silhouettes qui racontent sans mots.

Artiste autodidacte installé à Mons, il travaille sans préalable, laissant émerger les formes au fil du geste.

Venez à sa rencontre et laissez-vous toucher par son regard sur le monde.

Une année de création. Douze mois d'élans, de tensions, de silences et d'éclats mis en forme, en couleur, en matière.

C'est ce que propose cette exposition personnelle de Franz Baden Baden : une traversée intime et sensible, organisée comme un cycle, structurée comme les saisons. Le geste est d'abord impulsif. Le dessin surgit comme une nécessité, presque comme une urgence. Il ne cherche pas à illustrer, mais à libérer.

Le parcours oscille entre ombre et clarté . Certaines œuvres sont des réinterprétations de dessins plus sombres, fragments revisités et déplacés. D'autres puisent leur lumière dans des dessins réalisés en Grèce, où le regard s'ouvre et la matière respire autrement.

Le travail sur affiches déchirées introduit une dimension plus brute encore : le papier arraché, stratifié, marqué par le temps devient support de mémoire. Déchirer, c'est révéler. Superposer, c'est reconstruire.

Et puis, au terme du chemin, un champ de fleurs . Non comme une conclusion naïve, mais comme une respiration. Une ouverture sur ce qui reste possible.

Franz Baden Baden est un artiste autodidacte belge basé à Mons. Curieux et polyvalent, il explore le dessin, la customisation d'objets, la sculpture et l'upcycling de matériaux récupérés, mais aussi la performance et l'intervention publique.

Quatre photographes se réunissent le temps d'une exposition à la Galerie Fracas de Mons pour une exposition collective inédite. Quatre séries, quatre territoires visuels distincts, mais un même fil conducteur : Une photo, c'est un pari contre l'oubli. Un geste simple qui dit : ce moment a existé, cette personne était là, cette lumière est tombée exactement comme ça et jamais autrement. Capter le mouvement, l'émotion, l'instant qui passe trop vite. Et en laisser une trace.

Alexis Taminiaux photographie depuis plus de vingt ans et professeur. Collaborateur régulier de grands titres de presse belges et internationaux. Ill revient ici à un exercice plus intime : celui du regard personnel, libéré de toute commande, retrouvant le plaisir simple de choisir son cadre.

Umanflow parcourt les villes depuis 2020 avec sa série Urban Loneliness. En noir et blanc, à la seule lumière naturelle, il capte ces instants suspendus où un individu semble se détacher du flux urbain. Une silhouette de dos, un homme assis au milieu du bruit, un cycliste glissant le long d'un trottoir désert. Une photographie lente, mélancolique, qui cherche l'humanité là où elle se fait discrète.

François Chevalier revient du Vietnam avec des images prises sur le vif, au fil de ses déplacements dans les rues et les marchés. En prenant le temps de discuter avec les habitant·es, de partager quelques instants de leur quotidien, il a cherché à toucher l'authenticité du pays sans jamais la forcer. Des moments simples, spontanés, capturés sans mise en scène.

Alexandre Casteleyn a traversé le Japon avec un point-and-shoot Minolta et plusieurs pellicules 35 mm en poche. De Tokyo à Okinawa, des mégapoles aux Alpes japonaises, il a traqué le vif sous toutes ses formes : le rush et le calme, les textures et les mouvements, l'humain et l'immatériel. Une photographie instinctive qui assume le grain et la surprise de l'argentique comme partie intégrante de l'image.

Silentium est un collectif réunissant cinq pratiques singulières au sein d'un même espace de recherche et de sensibilité. À travers des médiums variés – dessin, céramique, installation, vidéo ou pratiques hybrides –, le collectif explore les zones de tension entre mémoire, corps, matière et silence.

Le travail d'Anatole Mélot interroge les traces laissées par l'activité humaine sur les paysages. Avec Gold Mining (2025), il plonge dans une mine d'or abandonnée pour révéler une géologie altérée, où pollution et phénomènes naturels coexistent. Son approche met en lumière des environnements ambigus, à la frontière entre organique et industriel.

Chez Arpy Gokceyan, la pratique artistique devient un espace de résistance et de transmission. Nourrie par une histoire diasporique entre Beyrouth et Bruxelles, elle mobilise des savoir-faire traditionnels – crochet, marqueterie, cuisine, artisanat – qu'elle réinterprète à travers la porcelaine contemporaine. Ses installations, fragiles et lumineuses, fonctionnent comme des archives sensibles de la mémoire collective.

Le travail d'Émilie Magnan s'ancre dans le dessin figuratif, centré sur le corps humain. Ses œuvres, souvent à échelle presque réelle, explorent les regards, les blessures et les liens invisibles entre les êtres. Entre douceur et tension, ses figures évoluent dans des espaces suspendus, où le silence devient un vecteur d'émotions et de récits intimes.

Théa Gonçalves, céramiste basée à Bruxelles, développe une pratique plurielle et expérimentale. Son travail traverse de nombreuses techniques – de la céramique à la broderie, de la sérigraphie à la fabrication d'objets hybrides –, témoignant d'une approche libre et transdisciplinaire de la matière. Elle explore les possibilités du geste artisanal à l'ère contemporaine.

Tina Carlini déploie une recherche autour du dessin et de l'édition. Formée à La Cambre, elle développe un langage visuel intime, entre narration graphique et autoédition. Son travail s'inscrit dans une temporalité lente, où l'image devient un outil de récit et d'expérimentation.

À travers leurs pratiques respectives, les artistes de Silentium construisent un dialogue sensible où se croisent mémoire, identité, transformation et perception. Le collectif se pense comme un espace de résonance, où chaque voix contribue à une exploration commune du visible et de l'invisible.

À travers l'exposition "Jardin secret", Petite X et Atelier Bleu Design (Paul Segard) proposent une immersion dans un univers intime et ludique où la nature devient terrain de jeu, de contemplation et de création. Une invitation à entrer dans un monde vibrant, où la matière et la couleur dialoguent librement.

Artiste du fil et artisane textile, Petite X développe un travail délicat, naïf et coloré. Ses créations en laine explorent avec douceur la thématique de la nature.

Avec Atelier Bleu Design, Paul déploie un univers visuel coloré et expressif nourri par le dessin, la peinture et le design graphique. Son travail, inspiré par la nature, les formes organiques et végétales navigue librement entre illustration, compositions abstraites et objets en volumes.

En duo, les deux artistes construisent un dialogue vivant entre leurs pratiques respectives. Jardin secret devient alors un espace hybride où les frontières s'effacent : entre œuvre et objet, entre artisanat et recherche plastique, entre univers décoratif et narration sensible. L'exposition invite le visiteur à pénétrer dans un refuge créatif et immersif, un jardin imaginaire foisonnant de formes, de textures et de couleurs. La nature y est réinterprétée à travers différents supports et médiums, donnant naissance à un univers à la fois ludique, poétique et profondément vivant.

« La trajectoire, c'est la ligne qui relie toutes les étapes de son mouvement. »

Ici, l'idée était de relier des œuvres nouvelles et anciennes, qui n'ont jamais été présentées ensemble, mais qui se complètent comme un puzzle. Elles dialoguent entre elles. Lorsqu'on rassemble toutes les pièces, l'abandon, la tristesse, l'espoir, la mort et l'amour deviennent très présents.

Malgré l'aspect triste et personnel de cette expo, je pense qu'un certain nombre de personnes pourront s'y retrouver. Je ne suis pas le seul à avoir vécu ce genre de choses.

Le titre de cette expo m'a été inspiré par un morceau que j'écoute très régulièrement, « Trajectoire » de Népal, qui nous a quittés en 2019.

— Vivian Barigand

Vernissage : jeudi 25 juin 2026, de 16h à 21h
Exposition : du 25 juin au 18 juillet 2026
Horaires : du mercredi au samedi, de 10h à 18h — entrée gratuite
Galerie Fracas : 50 rue des Capucins, 7000 Mons
Linktree de l'artiste : linktr.ee/vivianbarigand

Une exposition collective qui met la création locale à l'honneur, du 6 au 29 août.

Le vernissage aura lieu jeudi 6 août dès 16h, et on serait ravi·e·s de vous y compter !

Pour cette expo, on a réuni une belle brochette d'artistes de la région : des créateur·rice·s issu·e·s de la communauté du CRC Mons, des visages qui ont déjà fait escale à la galerie, mais aussi d'autres talents du coin. Une vraie mosaïque de styles, d'univers et de sensibilités, à découvrir sous un même toit. Les noms seront dévoilés très vite, alors gardez l'œil ouvert !

Venir, c'est aussi soutenir concrètement la culture locale et celles et ceux qui la font vivre au quotidien. On vous attend nombreux·ses pour célébrer ensemble la création montoise et régionale !

Vernissage : jeudi 6 août 2026, de 16h à 20h
Exposition : du 6 au 29 août 2026
Horaires : du mercredi au samedi, de 10h à 18h (pause de midi de 13h à 14h)
Galerie FRACAS : 50 rue des Capucins, 7000 Mons
Entrée gratuite

Exposition programmée à la Galerie FRACAS pour 3 — 26 septembre 2026. Plus d'informations seront publiées prochainement sur le site du CRC Mons.

Exposition programmée à la Galerie FRACAS pour 1er — 24 octobre 2026. Plus d'informations seront publiées prochainement sur le site du CRC Mons.

Exposition programmée à la Galerie FRACAS pour 29 octobre — 21 novembre 2026. Plus d'informations seront publiées prochainement sur le site du CRC Mons.